素描對國畫的影響是好還是壞？這個問題從徐悲鴻那個時代，就開始討論，到現(xiàn)在已經(jīng)討論了100多年，仍然沒有討論出結果。
個人覺得，要回答這個問題，要先看看國畫的審美趣味主要是什么？再看看加入素描關系后，對這些審美趣味有哪些影響？如果搞清楚這兩個問題，就可以得出素描對于國畫的影響是好是壞了。
在國畫傳統(tǒng)上，歷來有“書畫同源”一說，一是說書法與國畫的發(fā)展源頭是一樣的，它們都從遠古時期的象形符號演化而來，在最初，字和畫不分家，是一體的。
二是說書法與國畫在用筆上是一致的，國畫中的線條造型，在筆法運用上，都借鑒了書法的線條，都追求一波三折、輕重緩急的書寫規(guī)律。
國畫幾千年歷史上，對人物畫的造型，一直使用“線性十八描”，目的是精確地繪制出人物的外形輪廓，以及衣服上的皺紋線條，如，高古游絲描，琴弦描，柳葉描、行云流水描，等等，這些技法都是以中鋒用筆為主，依托筆鋒的變化，來勾勒出物象豐富多彩的外形輪廓，以達到“應物象形”的藝術效果。
國畫的主要目的是為了體現(xiàn)神韻，而非體現(xiàn)物象的體積感、質感和空間感，對造型和色彩這些元素要求并不嚴格，因此，只要達到“形似”就足夠了。
要體現(xiàn)神韻，必須依靠筆墨的深淺、濃淡、干濕、輕重等方面的變化，體現(xiàn)出筆墨的層次關系，讓墨在畫面上有變化，有節(jié)奏，體現(xiàn)出靈動的趣味，而不是抱成一團，形成一個死板的“墨豬”。
明代工筆畫《礪劍圖》
可以說，國畫不需要素描也可以畫出很有趣味的形象，關鍵在于畫家是否掌握了筆法和墨法的豐富變化。
國畫經(jīng)過幾千年發(fā)展，古人把筆墨的境界已經(jīng)玩出了一個很高的高度，現(xiàn)代畫家若想超越確實很難，因此，從其他繪畫種類里吸收一些技法引入到國畫中，不失為一種對國畫的探索方法。
20世紀初期，正是徐悲鴻把素描關系引入國畫中，對國畫的創(chuàng)新起到了積極作用，從此，國畫跟素描扯上了親密關系，以至于現(xiàn)代美術教育中，把素描看作是一切繪畫藝術在造型上的基礎，學國畫同樣少不了學習素描基礎。
但是，素描的審美要求跟國畫是矛盾的，素描要求形似，追求寫實，國畫要求神似，注重寫意，國畫如果過分追求造型的準確，就變成了用毛筆來畫素描，在筆墨趣味上的要求就不得不割舍。
因此，我覺得，對于素描，國畫不能全盤接受，若是過多吸收素描技巧的話，國畫就會變成素描的附庸，既不像國畫，也不像油畫，就像郎世寧創(chuàng)造的那種繪畫形態(tài)，雖然看起來很像很逼真，總感覺缺少一些什么。
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